SARAH VAUGHAN EM SHOW NA SUÉCIA NO ANO DE 1958
SARAH VAUGHAN EM BARCELONA NO ANO DE 1985
SARAH VAUGHAN SHOW EM BERLIM NO ANO DE 1969
SARAH VAUGHAN NA NOVA ZELÃNDIA EM ABRIL DO ANO DE 1988
BRAZILIAN ROMANCE ( 1987
SARAH VAUGHAN CANTA EM MONTERAY NO ANO DE 1984
SARAH VAUGHAN EM PARIS NO ANO DE 1969
NO CARNEGIE HALL EUA NO ANO DE 1973
UMBRIA JAZZ ( ITÁLIA NO ANO DE 1976
Sarah Lois Vaughan ( / v ɔː n / , pronúncia reescrevendo VAWN ; 27 de março de 1924 – 3 de abril de 1990) foi uma cantora e pianista de jazz americana . Apelidada de “Sassy” e ” The Divine One “, [1] ela ganhou dois prêmios Grammy , incluindo o Lifetime Achievement Award, e foi indicada para um total de nove prêmios Grammy. [2] Ela recebeu o prêmio NEA Jazz Masters em 1989. [3] O crítico Scott Yanow escreveu que ela tinha “uma das vozes mais maravilhosas do século 20”. [4]
| Sarah Vaughan | |
|---|---|
| Vaughan, c. 1946 | |
| Informações básicas | |
| Nome de nascença | Sarah Lois Vaughan |
| Nascer | 27 de março de 1924 Newark, Nova Jersey , EUA |
| Morreu | 3 de abril de 1990 (66 anos) Hidden Hills, Califórnia , EUA |
| Gêneros | Jazzpop tradicionalbossa nova |
| Ocupação(ões) | Cantor |
| Instrumento(s) | Vocais, piano |
| Anos ativos | 1942–1990 |
| Etiquetas | Columbia , Mercúrio , Verve , Roleta , Pablo |
Vida pregressa
Vaughan nasceu em Newark, Nova Jersey , filho de Asbury “Jake” Vaughan, um carpinteiro de profissão que tocava violão e piano, e Ada Vaughan, uma lavadeira que cantava no coro da igreja, migrantes da Virgínia. [5] [6] Os Vaughans viveram em uma casa na Brunswick Street, em Newark, durante toda a infância de Vaughan. [6] Jake era profundamente religioso. A família era ativa na Igreja Batista New Mount Zion em 186 Thomas Street. Vaughan começou a ter aulas de piano aos sete anos de idade, cantava no coro da igreja e tocava piano em ensaios e cultos. Sarah e sua família eram todos democratas registrados . [7]
Ela desenvolveu um amor precoce pela música popular. Na década de 1930, ela frequentemente via bandas locais e em turnê no Montgomery Street Skating Rink. [6] Em meados da adolescência, ela se aventurou ilegalmente nas casas noturnas de Newark e se apresentou como pianista e cantora no Piccadilly Club e no Aeroporto de Newark .
Vaughan frequentou a East Side High School , depois foi transferida para a Newark Arts High School , [6] inaugurada em 1931. À medida que suas aventuras noturnas como artista ultrapassavam suas atividades acadêmicas, ela abandonou o ensino médio durante seu primeiro ano para se concentrar mais plenamente em a música dela.
Carreira
1942–1943: início de carreira
Vaughan era frequentemente acompanhado por uma amiga, Doris Robinson, em suas viagens à cidade de Nova York. No outono de 1942, quando ela tinha 18 anos, Vaughan sugeriu que Robinson participasse do concurso Apollo Theatre Amateur Night. Vaughan tocou piano para Robinson, que ganhou o segundo prêmio. Mais tarde, Vaughan decidiu voltar e competir como cantora. Ela cantou ” Body and Soul ” e venceu – embora a data dessa apresentação vitoriosa seja incerta. O prêmio, como Vaughan lembrou a Marian McPartland , foi de US$ 10 e a promessa de uma semana de compromisso no Apollo. Em 20 de novembro de 1942, ela retornou ao Apollo para abrir para Ella Fitzgerald . [8]
Durante sua semana de apresentações no Apollo, Vaughan foi apresentada ao líder da banda e pianista Earl Hines , embora os detalhes dessa introdução sejam contestados. Billy Eckstine , cantor de Hines na época, foi creditado por Vaughan e outros por ouvi-la no Apollo e recomendá-la a Hines. Hines afirmou mais tarde que ele mesmo a descobriu e lhe ofereceu um emprego na hora. Após um breve teste no Apollo, Hines substituiu sua cantora por Vaughan em 4 de abril de 1943. [6]
1943–1944: Earl Hines e Billy Eckstine
Vaughan passou o restante de 1943 e parte de 1944 em turnê pelo país com a big band de Earl Hines, que contava com Billy Eckstine . Ela foi contratada como pianista para que Hines pudesse contratá-la sob a jurisdição do sindicato dos músicos ( Federação Americana de Músicos ) em vez do sindicato dos cantores ( American Guild of Variety Artists ). Mas depois que Cliff Smalls se juntou à banda como trombonista e pianista, suas funções limitaram-se a cantar. A banda Earl Hines neste período é lembrada como uma incubadora do bebop , pois incluía o trompetista Dizzy Gillespie , o saxofonista Charlie Parker (tocando saxofone tenor em vez de alto) e o trombonista Bennie Green . Gillespie providenciou para a banda, embora a proibição de gravação contemporânea pelo sindicato dos músicos significasse que não existiam gravações comerciais.
Eckstine saiu da banda Hines no final de 1943 e formou uma big band com Gillespie, deixando Hines para se tornar o diretor musical da banda. Parker se juntou ao Eckstine e, nos anos seguintes, a banda incluiu Gene Ammons , Art Blakey , Miles Davis , Kenny Dorham , Dexter Gordon e Lucky Thompson . Vaughan aceitou o convite de Eckstine para ingressar em sua banda em 1944, dando-lhe a oportunidade de gravar pela primeira vez em 5 de dezembro de 1944, a música “I’ll Wait and Pray” para De Luxe . O crítico e produtor Leonard Feather pediu-lhe para gravar no final daquele mês para a Continental com um septeto que incluía Dizzy Gillespie e Georgie Auld . Ela deixou a banda Eckstine no final de 1944 para seguir carreira solo, embora permanecesse próxima de Eckstine e gravasse com ele frequentemente.
O pianista John Malachi é responsável por dar a Vaughan o apelido de “Sassy”, um apelido que combinava com sua personalidade. Ela gostou, e o nome e sua variante abreviada “Sass” ficaram entre os colegas e a imprensa. Nas comunicações escritas, Vaughan costumava soletrá-lo “Sassie”.
1945–1948: início de carreira solo
Vaughan começou sua carreira solo em 1945 como freelancer na 52nd Street, em Nova York, no Three Deuces, no Famous Door, no Downbeat e no Onyx Club . Ela passou um tempo no Braddock Grill próximo ao Apollo Theatre no Harlem. Em 11 de maio de 1945, ela gravou ” Lover Man ” para Guild com um quinteto de Gillespie e Parker com Al Haig no piano, Curly Russell no contrabaixo e Sid Catlett na bateria. Mais tarde naquele mês, ela entrou em estúdio com uma agregação Gillespie / Parker um pouco diferente e maior e gravou mais três lados.
Depois de ser convidada pelo violinista Stuff Smith para gravar a música “Time and Again” em outubro de 1945, Vaughan recebeu uma oferta do proprietário Albert Marx para gravar um contrato para gravar para a Musicraft , embora ela não começasse a gravar como líder da Musicraft até 7 de maio de 1946. Nesse meio tempo, ela gravou para Crown e Gotham e começou a se apresentar regularmente no Café Society Downtown, um clube integrado em Sheridan Square , Nova York .
Enquanto estava no Café Society, Vaughan tornou-se amiga do trompetista George Treadwell , que se tornou seu empresário. Ela delegou a ele a maior parte das responsabilidades de diretor musical em suas sessões de gravação, permitindo que ela se concentrasse em cantar. Nos anos seguintes, Treadwell fez mudanças na aparência de Vaughan no palco. Além de um novo guarda-roupa e estilo de cabelo, ela teve os dentes tapados , eliminando o espaço entre os dois dentes da frente.
Suas gravações para Musicraft incluíram ” If You Could See Me Now ” (escrita e arranjada por Tadd Dameron ), ” Don’t Blame Me “, ” I’ve Got a Crush on You “, ” Everything I Have Is Yours ” e ” Corpo e alma “. Com o relacionamento profissional de Vaughan e Treadwell em bases sólidas, o casal se casou em 16 de setembro de 1946.
Em 1947, Vaughan se apresentou no terceiro concerto Cavalcade of Jazz realizado no Wrigley Field em Los Angeles que foi produzido por Leon Hefflin, Sr. em 7 de setembro de 1947. The Valdez Orchestra , The Blenders, T-Bone Walker , Slim Gaillard , The Honeydrippers , Johnny Otis e sua orquestra , Woody Herman , e os Three Blazers também se apresentaram naquele mesmo dia. [9]
O sucesso de gravação de Vaughan para Musicraft continuou durante 1947 e 1948. Sua gravação de ” Tenderly ” – ela estava orgulhosa de ser a primeira a gravar esse padrão de jazz [10] – tornou-se um sucesso pop inesperado no final de 1947. Seu 27 de dezembro de 1947, a gravação de ” It’s Magic ” (do filme Romance on the High Seas, de Doris Day ) alcançou sucesso nas paradas no início de 1948. Sua gravação de ” Nature Boy ” de 8 de abril de 1948, tornou-se um sucesso na época da popular versão de Nat King Cole. foi liberado. Por causa de uma segunda proibição de gravação pelo sindicato dos músicos, “Nature Boy” foi gravada com um coro a cappella .
1948–1953: Estrelato e os anos da Columbia
A proibição sindical dos músicos levou a Musicraft à beira da falência. Vaughan usou os pagamentos de royalties perdidos como uma oportunidade para assinar com a maior gravadora Columbia . Após a resolução de questões legais, seu sucesso nas paradas continuou com ” Black Coffee ” no verão de 1949. Enquanto estava na Columbia até 1953, ela foi direcionada quase exclusivamente para baladas pop comerciais, várias com sucesso nas paradas: ” That Lucky Old Sun” “, “Make Believe (You Are Glad When You’re Sorry)”, “I’m Crazy to Love You”, “Our Very Own”, “I Love the Guy”, “Thinking of You” (com o pianista Bud Powell ), ” Eu chorei por você “, “Essas coisas que eu te ofereço”, “Vaidade”, “Corri todo o caminho para casa”, “Santo ou pecador”, “Meu coração atormentado” e “Tempo”.
Ela ganhou o prêmio New Star da revista Esquire em 1947, prêmios da revista Down Beat de 1947 a 1952 e da revista Metronome de 1948 a 1953. A gravação e o sucesso da crítica levaram a oportunidades de atuação, com Vaughan cantando para grandes multidões em clubes de todo o país durante final da década de 1940 e início da década de 1950. No verão de 1949, ela fez sua primeira aparição com uma orquestra sinfônica em um evento beneficente para a Orquestra da Filadélfia intitulado “100 Men and a Girl”. Nessa época, o disk jockey de Chicago, Dave Garroway, cunhou um segundo apelido para ela, “The Divine One”, que a seguiria ao longo de sua carreira. Uma de suas primeiras aparições na televisão foi no programa de variedades da DuMont , Stars on Parade (1953–54), no qual ela cantou ” My Funny Valentine ” e “Linger Awhile”.
Em 1949, com suas finanças melhorando, Vaughan e Treadwell compraram uma casa de três andares na Avenida Avon, 21, em Newark, ocupando o último andar durante as raras horas de folga em casa e transferindo os pais de Vaughan para os dois andares inferiores. No entanto, as pressões comerciais e os conflitos de personalidade levaram a um esfriamento no relacionamento de Treadwell e Vaughan. Treadwell contratou um road manager para cuidar de suas necessidades de turnê e abriu um escritório administrativo em Manhattan para poder trabalhar com outros clientes.
O relacionamento de Vaughan com a Columbia azedou quando ela ficou insatisfeita com o material comercial e seu fraco sucesso financeiro. Ela fez algumas gravações em pequenos grupos em 1950 com Miles Davis e Bennie Green, mas eram atípicas do que ela gravou para a Columbia.
Rádio
Em 1949, Vaughan teve um programa de rádio, Songs by Sarah Vaughan , na WMGM na cidade de Nova York. Os shows de 15 minutos foram transmitidos à noite de quarta a domingo no The Clique Club, descritos como “encontro da galera do bebop”. [11] Ela estava acompanhada por George Shearing no piano, Oscar Pettiford no contrabaixo e Kenny Clarke na bateria. [11]
1954–1959: anos de Mercúrio
Em 1953, Treadwell negociou um contrato para Vaughan com a Mercury no qual ela gravaria material comercial para a Mercury e material orientado para jazz para sua subsidiária, EmArcy . Ela fez dupla com o produtor Bob Shad , e sua relação de trabalho rendeu sucesso comercial e artístico. Sua primeira sessão de gravação na Mercury ocorreu em fevereiro de 1954. Ela permaneceu na Mercury até 1959. Depois de gravar para a Roulette de 1960 a 1963, ela retornou à Mercury de 1964 a 1967.
Seu sucesso comercial na Mercury começou com o hit de 1954 “Make Yourself Confortável”, gravado no outono de 1954, e continuou com ” How Important Can It Be ” (com Count Basie ), ” Whatever Lola Wants “, ” The Banana Boat Song”. “, “Você deveria ter uma esposa” e ” Misty “. Seu sucesso comercial atingiu o pico em 1959 com ” Broken Hearted Melody “, uma música que ela considerou “brega”, que mesmo assim se tornou seu primeiro disco de ouro, [12] e uma parte regular de seu repertório de shows nos anos seguintes. Vaughan se reuniu com Billy Eckstine para uma série de gravações de duetos em 1957 que renderam o hit ” Passing Strangers “. Suas gravações comerciais foram feitas por vários arranjadores e maestros, principalmente Hugo Peretti e Hal Mooney .
A “faixa” de jazz de sua carreira de gravação prosseguiu rapidamente, apoiada por seu trio de trabalho ou por combinações de músicos de jazz. Um de seus álbuns favoritos foi um sexteto de 1954 que incluía Clifford Brown .
Na segunda metade da década de 1950, ela seguiu uma agenda de turnês quase ininterruptas. Ela foi apresentada no primeiro Festival de Jazz de Newport no verão de 1954 e estrelou nas edições subsequentes desse festival em Newport e na cidade de Nova York pelo resto de sua vida. No outono de 1954, ela se apresentou no Carnegie Hall com a Orquestra Count Basie em um projeto que também incluía Billie Holiday , Charlie Parker, Lester Young e o Modern Jazz Quartet . Naquele outono, ela excursionou novamente pela Europa antes de embarcar na turnê “Big Show” pelos Estados Unidos, uma sucessão de apresentações que incluiu Count Basie , George Shearing, Erroll Garner e Jimmy Rushing . No Festival de Jazz de Nova York de 1955, em Randalls Island , Vaughan dividiu o palco com o quarteto Dave Brubeck , Horace Silver , Jimmy Smith e a Orquestra Johnny Richards .
Embora o relacionamento profissional entre Vaughan e Treadwell tenha sido bastante bem-sucedido durante a década de 1950, seu relacionamento pessoal finalmente atingiu um ponto de ruptura e ela pediu o divórcio em 1958. Vaughan delegou inteiramente questões financeiras a Treadwell, e apesar dos números significativos de renda relatados durante a década de 1950 , no acordo, Treadwell disse que restavam apenas US$ 16.000. O casal dividiu igualmente o valor e seus bens pessoais, encerrando o relacionamento comercial.
Ela fez sua estreia no Reino Unido em 1958 no Sunday Night at the London Palladium com várias canções, incluindo “Who’s Got the Last Laugh Now”. [13]
1959–1969: Atkins e Roleta
A saída de Treadwell da vida de Vaughan foi precipitada pela entrada de Clyde “CB” Atkins, um homem de origem incerta que ela conheceu em Chicago e se casou em 4 de setembro de 1958. [14] Embora Atkins não tivesse experiência em gestão artística ou música, Vaughan desejava ter um relacionamento misto profissional e pessoal como o que ela teve com Treadwell. Ela fez de Atkins seu gerente, embora ainda sentisse a dor dos problemas que teve com Treadwell e inicialmente ficou de olho em Atkins. Vaughan e Atkins mudaram-se para uma casa em Englewood, Nova Jersey . [6]
Quando o contrato de Vaughan com a Mercury terminou no final de 1959, ela assinou contrato com a Roulette, uma pequena gravadora de propriedade de Morris Levy , que foi um dos patrocinadores da Birdland , onde ela aparecia com frequência. Ela começou a gravar para a Roulette em abril de 1960, fazendo uma série de grandes álbuns arranjados ou conduzidos por Billy May , Jimmy Jones , Joe Reisman , Quincy Jones , Benny Carter , Lalo Schifrin e Gerald Wilson . Ela teve sucesso nas paradas pop em 1960 com “Serenata” na Roleta e “Eternally” e “You’re My Baby”, algumas faixas residuais de seu contrato com a Mercury. Ela gravou After Hours (1961) com o guitarrista Mundell Lowe e o contrabaixista George Duvivier e Sarah + 2 (1962) com o guitarrista Barney Kessel e o contrabaixista Joe Comfort .
Em 1961, Vaughan e Atkins adotaram uma filha, Deborah Lois Atkins, conhecida profissionalmente como Paris Vaughan. No entanto, o relacionamento com Atkins revelou-se difícil e violento. Após vários incidentes, ela pediu o divórcio em novembro de 1963. Ela recorreu a dois amigos para ajudar a resolver os assuntos financeiros do casamento. O proprietário do clube, John “Preacher” Wells, um conhecido de infância, e Clyde “Pumpkin” Golden Jr. descobriram que os jogos e os gastos de Atkins colocaram Vaughan em dívidas de cerca de US$ 150.000. A casa de Englewood foi apreendida pelo IRS por falta de pagamento de impostos. Vaughan manteve a custódia de seu filho e Golden assumiu o lugar de Atkins como empresário e amante de Vaughan pelo resto da década.
Quando seu contrato com a Roleta terminou em 1963, Vaughan retornou aos confins mais familiares de Mercúrio. No verão de 1963, ela foi para a Dinamarca com o produtor Quincy Jones para gravar Sassy Swings the Tivoli , um álbum de apresentações ao vivo com seu trio. Durante o ano seguinte, ela fez sua primeira aparição na Casa Branca para o presidente Lyndon Johnson . A gravação do Tivoli seria o momento mais brilhante de sua segunda passagem pela Mercury. As mudanças demográficas e de gostos na década de 1960 deixaram os músicos de jazz com um público cada vez menor e material inadequado. Embora ela mantivesse seguidores grandes e leais o suficiente para manter sua carreira, a qualidade e a quantidade de sua produção gravada diminuíram à medida que sua voz escurecia e sua habilidade permanecia inalterada. Na conclusão de seu contrato com a Mercury em 1967, ela não tinha um contrato de gravação para o restante da década.
1970–1982: Fisher e Mainstream
Em 1971, no Tropicana em Las Vegas, Marshall Fisher era funcionário e fã de uma barraca de concessão quando foi apresentado a Sarah Vaughan. Eles se sentiram atraídos um pelo outro imediatamente. Fisher foi morar com ela em Los Angeles. Embora fosse branco e sete anos mais velho, ele se dava bem com os amigos e a família dela. Embora não tivesse experiência no mundo da música, ele se tornou seu road manager e depois gerente pessoal. Mas, ao contrário de outros homens e gestores, Fisher era dedicado a ela e geriu meticulosamente a sua carreira e tratou-a bem. Ele escreveu poemas de amor para ela. [8] : 277
Em 1971, Bob Shad , que havia trabalhado com ela como produtor na Mercury, pediu-lhe para gravar para sua gravadora, Mainstream , que ele havia fundado após deixar a Mercury. Quebrando um hiato de quatro anos, Vaughan assinou um contrato com a Mainstream e voltou ao estúdio para A Time in My Life , um passo do jazz para a música pop com canções de Bob Dylan , John Lennon e Marvin Gaye arranjadas por Ernie Wilkins . Ela não reclamou dessa mudança eclética de rumo, mas escolheu o material para seu próximo álbum após admirar o trabalho de Michel Legrand . Ele dirigiu uma orquestra de mais de cem músicos para Sarah Vaughan com Michel Legrand , um álbum de composições de Legrand com letras de Alan e Marilyn Bergman . As músicas levaram alguns músicos às lágrimas durante as sessões. Mas Shad queria um sucesso e o álbum não rendeu nada. [8] : 278–280 Ela cantou uma versão do hit pop ” Rainy Days and Mondays ” dos Carpenters para Feelin’ Good . [8] : 283 Seguiu-se Live in Japan , seu primeiro álbum ao vivo desde 1963. [8] : 293 Sarah Vaughan and the Jimmy Rowles Quintet (1974) foi mais experimental, contendo improvisação livre e algumas scatting não convencionais. [8] : 294
Send in the Clowns foi outra tentativa de aumentar as vendas ao entrar no mercado da música pop. Vaughan não gostou das músicas e odiou a capa do álbum retratando um palhaço com cabelo afro. Ela entrou com uma ação judicial contra Shad em 1975, por acreditar que a capa era inconsistente com a imagem formal e sofisticada que ela projetava no palco. Ela também alegou que o álbum Sarah Vaughan: Live at the Holiday Inn Lesotho tinha um título incorreto e que Shad estava prejudicando sua carreira. [8] : 295–296 Embora ela não gostasse do álbum, ela gostou da música ” Send in the Clowns ” escrita por Stephen Sondheim para o musical A Little Night Music . Ela aprendeu piano, fez muitas mudanças com a ajuda do pianista Carl Schroeder, e essa se tornou sua canção característica. [8] : 300–305
Em 1974, ela cantou música de George Gershwin no Hollywood Bowl com a Filarmônica de Los Angeles . A orquestra foi dirigida por Michael Tilson Thomas , que era fã de Vaughan e a convidou para se apresentar. [8] : 306–307 Thomas e Vaughan repetiram a apresentação com a orquestra local de Thomas em Buffalo, Nova York, seguida por apresentações em 1975 e 1976 com outras orquestras sinfônicas nos Estados Unidos. [8] : 310
Depois de deixar a Mainstream, ela assinou com a Atlantic e trabalhou em um álbum de músicas de John Lennon e Paul McCartney arranjadas por Marty Paich e seu filho, David Paich , da banda de rock Toto. Ela estava entusiasmada por se envolver mais na produção de um álbum, mas a Atlantic rejeitou, alegando que não continha sucessos. “Não sei como eles conseguem reconhecer os acertos com antecedência”, disse ela. Atlantic cancelou seu contrato. Ela disse: “Não dou mais a mínima para as gravadoras”. [8] : 297
Rio e Norman Granz
Em 1977, o cineasta Thomas Guy acompanhou Vaughan em turnê para filmar o documentário Listen to the Sun. Ela viajou pela América do Sul: Argentina, Colômbia, Chile, Equador e Peru. Ela estava apaixonada pelo Brasil, pois esta era sua terceira turnê pelo Brasil em seis anos. No documentário, ela chamou a cidade do Rio de “o melhor lugar que já estive no mundo”. O público ficou tão entusiasmado que ela disse: “Não acredito que eles gostem tanto de mim”. [8] : 315 Após rejeição da Atlantic, ela quis tentar produzir seu próprio álbum de música brasileira. Ela pediu a Aloísio de Oliveira para comandar as sessões e gravou I Love Brazil! com Milton Nascimento , José Roberto Bertrami , Dorival Caymmi e Antonio Carlos Jobim . [8] : 315–316
Ela tinha um álbum, mas nenhuma gravadora para lançá-lo, então assinou contrato com Pablo , dirigido por Norman Granz . Ela conhecia Granz desde 1948, quando se apresentou em uma de suas turnês Jazz at the Philharmonic. Ele foi o produtor musical e empresário de Ella Fitzgerald e proprietário da Verve . Depois de vender a Verve, ele fundou a Pablo . Ele se dedicou ao jazz acústico mainstream e gravou Count Basie, Duke Ellington e Clark Terry . Em 1978, ele gravou How Long Has This Been Going On? , um conjunto de padrões de jazz com músicos veteranos de jazz Oscar Peterson , Joe Pass , Ray Brown e Louis Bellson . O álbum foi indicado ao Grammy. Pablo lançou Eu Amo o Brasil! e também foi indicado ao Grammy. [8] : 317–319
1982–1989: Fim da carreira
No verão de 1980, ela recebeu uma placa na 52nd Street, em frente ao edifício CBS (Black Rock), comemorando os clubes de jazz que ela frequentava na “Swing Street” e que há muito foram substituídos por edifícios de escritórios. Uma apresentação de seu programa sinfônico Gershwin com a Sinfônica de Nova Jersey em 1980 foi transmitida pela PBS e lhe rendeu um prêmio Emmy no ano seguinte por Realização Individual, Classe Especial. Ela se reuniu em 1982 com Tilson Thomas para uma versão modificada do programa Gershwin, tocado novamente pela Filarmônica de Los Angeles, mas desta vez em sua casa, o Pavilhão Dorothy Chandler ; a gravação do show da CBS Gershwin Live! ganhou um Grammy de Melhor Performance Vocal de Jazz Feminina .
Após o término do contrato com Pablo em 1982, ela se comprometeu com um número limitado de gravações em estúdio. Ela fez uma aparição especial em 1984 no 2:00 AM Paradise Cafe de Barry Manilow , um álbum de composições pastiche com músicos de jazz consagrados. Em 1984, participou de The Planet is Alive, Let It Live uma peça sinfônica composta por Tito Fontana e Sante Palumbo sobre traduções italianas de poemas poloneses de Karol Wojtyla, mais conhecido como Papa João Paulo II . A gravação foi feita na Alemanha com tradução para o inglês do escritor Gene Lees e foi lançada por Lees em sua gravadora privada depois que a gravação foi rejeitada pelas grandes gravadoras.
Em 1985, Vaughan reconectou-se com seu público europeu de longa data e em constante crescimento durante um concerto comemorativo no Teatro Chatelet, em Paris. Lançado postumamente pelo selo Justin Time, In the City of Lights é uma gravação de dois discos do show, que cobre os destaques da carreira de Vaughan enquanto captura uma cantora querida no auge de seus poderes. Graças em parte ao apoio telepático do pianista Frank Collett (que responde a cada um de seus desafios e depois convence o mesmo dela), Sarah reprisa “If You Could See Me Now” de Tad Dameron com poder incomum, sua respiração afetando uma conexão perfeita entre refrão e ponte. Para o Gershwin Medley, o baterista Harold Jones troca seus pincéis por baquetas para combinar com a energia e a força que não cessam até o último de muitos encores. Em 16 de junho de 1985, Vaughan apareceu no Playboy Jazz Festival .
Em 1986, Vaughan cantou “Happy Talk” e “Bali Ha’i” no papel de Bloody Mary em uma gravação de estúdio de Kiri Te Kanawa e José Carreras da trilha sonora do musical da Broadway South Pacific , enquanto estava sentado no chão do estúdio. O último álbum de Vaughan foi Brazilian Romance , produzido por Sérgio Mendes com músicas de Milton Nascimento e Dori Caymmi . Foi gravado principalmente no início de 1987 em Nova York e Detroit. Em 1988, ela contribuiu com os vocais para um álbum de canções de Natal gravadas pelo Coro do Tabernáculo Mórmon com a Orquestra Sinfônica de Utah e vendido nas lojas Hallmark Cards. Em 1989, o álbum Back on the Block de Quincy Jones incluiu Vaughan em um breve dueto com Ella Fitzgerald. Esta foi sua última gravação de estúdio. Foi sua única gravação de estúdio com Fitzgerald em uma carreira que começou 46 anos antes abrindo para Fitzgerald no Apollo.
O vídeo Sarah Vaughan Live from Monterey foi gravado em 1983 ou 1984 com seu trio e solistas convidados. Sass and Brass foi gravado em 1986 em Nova Orleans com os convidados Dizzy Gillespie e Maynard Ferguson. Sarah Vaughan: The Divine One fazia parte da série American Masters na PBS. Também em 1986, no Dia da Independência num programa transmitido nacionalmente pela PBS ela se apresentou com a Orquestra Sinfônica Nacional dirigida por Mstislav Rostropovich , num medley de canções compostas por George Gershwin. [15]
Morte
Em 1989, a saúde de Vaughan começou a piorar, embora ela raramente revelasse qualquer indício disso em suas apresentações. Ela cancelou uma série de compromissos na Europa em 1989, alegando a necessidade de procurar tratamento para artrite na mão, embora tenha conseguido completar uma série de apresentações no Japão. Durante uma corrida no Blue Note Jazz Club de Nova York em 1989, ela foi diagnosticada com câncer de pulmão e estava doente demais para terminar o último dia do que viria a ser sua última série de apresentações públicas.
Vaughan voltou para sua casa na Califórnia para iniciar a quimioterapia e passou seus últimos meses alternando internações no hospital e em casa. Ela se cansou da luta e exigiu ser levada para casa, onde morreu aos 66 anos na noite de 3 de abril de 1990, enquanto assistia Laker Girls , um filme para televisão com sua filha. [16] [17]
Seu funeral foi realizado na Igreja Batista Mount Zion, em Newark, Nova Jersey . Após a cerimônia, uma carruagem puxada por cavalos transportou seu corpo para o cemitério de Glendale, em Bloomfield . [18] [19]
Comentário vocal
Paralelos foram traçados entre a voz de Vaughan e a dos cantores de ópera . A cantora de jazz Betty Carter disse que com o treinamento Vaughan poderia ter “ido tão longe quanto Leontyne Price “. [20] Bob James, diretor musical de Vaughan na década de 1960, disse que “o instrumento estava lá. Mas o conhecimento, a legitimidade daquele mundo inteiro não era para ela … Mas se a ária estivesse no alcance de Sarah, ela poderia trazer algo para isso que um cantor com formação clássica não poderia.” [21]
Em um capítulo dedicado a Vaughan em seu livro Visions of Jazz (2000), o crítico Gary Giddins a descreveu como a “voz eterna do jazz moderno – de virtuosismo vertiginoso do pós-guerra, humor cortante e capricho destemido”. [22] Ele concluiu dizendo que “Não importa o quão de perto dissecamos as particularidades de seu talento… devemos inevitavelmente acabar contemplando com admiração silenciosa o mais fenomenal de seus atributos, aquele que ela recebeu ao nascer, a voz que acontece uma vez na vida, talvez uma vez em várias vidas.” [22]
Sua voz tinha asas: deliciosa e tensa, disciplinada e matizada, era tão espessa quanto conhaque, mas se elevava fora do caminho batido como um solo instrumental… o mais irônico.” – Gary Giddins
Seu obituário no The New York Times a descreveu como uma “cantora que trouxe um esplendor operístico às suas apresentações de standards populares e jazz”. [1] A cantora de jazz Mel Tormé disse que ela tinha “o melhor instrumento vocal de qualquer cantora que trabalha na área popular”. Sua habilidade foi invejada por Frank Sinatra, que disse: “Sassy é tão boa agora que, quando a ouço, tenho vontade de cortar meus pulsos com uma navalha cega.” [23] O crítico do New York Times John S. Wilson disse em 1957 que ela possuía “o que pode muito bem ser a melhor voz já aplicada ao jazz”. [1] Esteve perto de seu pico até pouco antes de sua morte, aos 66 anos. Mais tarde na vida, ela manteve uma “flexibilidade juvenil e um timbre notavelmente delicioso” e era capaz de projetar passagens de coloratura descritas como “delicadas e vibrantes”. alto”. [1]
Vaughan tinha um grande alcance vocal de soprano através de um barítono feminino , corpo excepcional, volume, uma variedade de texturas vocais e controle vocal soberbo e altamente pessoal. Seu ouvido e senso de altura eram quase perfeitos e não havia intervalos difíceis. [24]
Em seus últimos anos, sua voz foi descrita como um “contralto polido” e à medida que sua voz se aprofundou com a idade, seu registro mais grave foi descrito como tendo “tons de um barítono áspero para um contralto rico e suculento”. [25] O uso do registro contralto foi comparado a “mergulhar em um poço profundo e misterioso para recolher um tesouro de riquezas enterradas”. [26] O musicólogo Henry Pleasants observou: “Vaughan, que canta facilmente até um contralto Dó baixo, sobe para um Dó agudo [soprano] puro e preciso.” [27]
O vibrato de Vaughan foi descrito como “um ornamento de tamanho, forma e duração exclusivamente flexíveis”, [24] bem como “voluptuoso” e “pesado”. [1] Vaughan era talentosa em sua habilidade de “desgastar” ou “dobrar” notas nas extremidades de seu alcance vocal. [24] Foi notado em uma apresentação de ” Where Is Love? ” de Lionel Bart em 1972 que “No meio da melodia ela começou a torcer a música, balançando desde os incríveis tons de violoncelo de seu registro inferior, disparando para os pianíssimos delicados de a blusa dela.” [23]
Ela segurou um microfone em apresentações ao vivo, usando seu posicionamento como parte de sua apresentação. [24] A colocação do microfone permitiu que ela complementasse seu volume e textura vocal, muitas vezes segurando o microfone com o braço esticado e movendo-o para alterar seu volume. [24]
Ela frequentemente usava a música ” Send in the Clowns ” para demonstrar suas habilidades vocais em apresentações ao vivo. A apresentação foi chamada de “tour de force de três oitavas de pirotecnia semi-improvisação em que os lados jazz, pop e operístico de sua personalidade musical se uniram e encontraram expressão completa” pelo The New York Times . [1]
Cantores influenciados por Vaughan incluem Phoebe Snow , Anita Baker , Sade e Rickie Lee Jones . [1] As cantoras Carmen McRae e Dianne Reeves gravaram álbuns tributo a Vaughan após sua morte; Sarah: Dedicado a você (1991) e The Calling: Celebrating Sarah Vaughan (2001), respectivamente.
Embora geralmente considerada uma cantora de jazz, Vaughan evitou se classificar como tal. Ela discutiu o termo em uma entrevista de 1982 para a Down Beat :
Não sei por que as pessoas me chamam de cantor de jazz, mas acho que as pessoas me associam ao jazz porque fui criado nele há muito tempo. Não estou menosprezando o jazz, mas não sou cantor de jazz… Gravei todo tipo de música, mas (para eles) sou cantor de jazz ou cantor de blues. Não consigo cantar um blues – apenas um blues direto – mas posso colocar o blues em tudo o que canto. Eu poderia cantar ‘Send In the Clowns’ e colocar um pouco de blues nela, ou qualquer música. O que eu quero fazer, em termos musicais, é todos os tipos de música que eu gosto, e gosto de todos os tipos de música. [28]
Vida pessoal
Vaughan foi casado três vezes: com George Treadwell (1946–1958), com Clyde Atkins (1958–1961) e com Waymon Reed (1978–1981). Incapaz de ter filhos, Vaughan adotou uma menina (Debra Lois) em 1961. Debra trabalhou nas décadas de 1980 e 1990 como atriz sob o nome de Paris Vaughan. [29] Como resultado do casamento de sua filha, Vaughan era sogra do ex-astro da NHL Russ Courtnall .
Em 1977, Vaughan encerrou seu relacionamento pessoal e profissional com Marshall Fisher. Embora Fisher seja ocasionalmente mencionado como o terceiro marido de Vaughan, eles nunca foram casados legalmente. Vaughan começou um relacionamento com Waymon Reed, um trompetista 16 anos mais novo que tocava com a banda Count Basie. Reed se juntou a seu trio de trabalho como diretor musical e trompetista e se tornou seu terceiro marido em 1978.
Ela era membro da irmandade Zeta Phi Beta . [30]
Premios e honras
O álbum Sarah Vaughan com Clifford Brown e o single ” If You Could See Me Now ” foram incluídos no Grammy Hall of Fame , um prêmio criado em 1973 para homenagear gravações que tenham pelo menos vinte e cinco anos e tenham “qualidade ou histórico”. significado.” [31] Em 1985 ela recebeu uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood e em 1988 foi incluída no American Jazz Hall of Fame.
Em 1978, ela recebeu um Doutorado Honorário em Música pela Berklee College of Music . [32]
Em 2012, ela foi incluída no Hall da Fama de Nova Jersey . [33] Em 2004–2006, a New Jersey Transit prestou homenagem a Vaughan no projeto de suas estações Newark Light Rail . Os passageiros que param em qualquer estação desta linha podem ler a letra de “Body and Soul” ao longo da borda da plataforma da estação. [34]
Ela recebeu o prêmio George e Ira Gershwin pelo conjunto de sua obra musical no UCLA Spring Sing . [35]
Em 2003, São Francisco e Berkeley, Califórnia , proclamaram o dia 27 de março como o Dia de Sarah Lois Vaughan. [36]
Concurso Internacional de Jazz Vocal Sarah Vaughan
O James Moody Jazz Festival hospeda uma competição anual de vocalistas de jazz com o nome de Vaughan. O Concurso Internacional de Jazz Vocal Sarah Vaughan também é conhecido como SASSY Awards pelo apelido de Vaughan. [37] [38]